La versión que se presenta de Maria Stuarda de Gaetano Donizetti (1797-1848) estos días en el Gran Teatro del Liceo de Barcelona tiene muchas singularidades y muchos puntos polémicos, pero esta vez (extrañamente) no con respecto a la puesta en escena, sino a la manera en que ha sido abordada musicalmente.
Hablamos de una ópera completamente romántica, insertada en el estilo belcantista más puro y que fue rescatada hace más o menos cincuenta años del olvido. El bel canto tiene como una de sus características definitorias la profusión de agudos y adornos vocales, incluso a veces en detrimento del interés dramático. Como su nombre lo indica, el punto focal de este estilo está en el uso magistral de la voz humana.
Se contaba con un elenco espléndido que incluyó a dos estrellas del bel canto de nuestros días y una producción inteligente y bien concebida. ¿Qué podría ser polémico? simplemente que Maria Stuarda, la protagónica, normalmente cantada por una soprano, sería en esta versión cantada por una mezzo. Para poder ser interpretada por la voz de Joyce di Donato, toda la partitura fue cambiada de tonalidad, modificándola medio tono (y a veces más) del original. Esto tuvo algunas consecuencias que fueron bastante criticadas por muchos de los asistentes asiduos de la platea del Liceo, entre ellas podemos mencionar: el no tener contraste entre los dos papeles de las reinas rivales al ser cantadas por dos voces de mezzosopranos, el obligar a los otros solistas a cantar en zonas incómodas de su voz, el haber perdido la oportunidad de oír los agudos extraordinarios de un tenor como Javier Camarena y el no tener en la protagónica notas más allá del la. Todo eso es cierto. ¿Es justo hacer todo esto por el "capricho" de una diva que quiere cantar un papel de otra tessitura? ¿No parece más una práctica decimonónica de cuando las divas eran quienes mandaban en los teatros y en los corazones de los espectadores? ¿Es válido hacer esto en nuestros días? Estoy segura de cada espectador podría contestar estas preguntas de manera diferente si asiste a estas funciones, para mi no es nada fácil tomar una postura radical.
Javier Camarena nos demostró que no es un cantante que sale a lucirse, sino que es un artista al que le importa crear. Lo que nos dejó claro es que cantar bien es su meta y a eso (a hacer hermosas frases, a interpretar con mil matices emocionales y musicales) salió a escena, no a buscar los aplausos acostumbrados que lo han hecho bisar tantas veces en tantos teatros importantes. Para mi, esto es una lección importante y que habla de una manera distinta de ser una estrella en la ópera de nuestros días: dejó de ser un cúmulo de virtuosismo vocal para convertirse en un cantante creador de personajes que aman y sufren, personajes que no sólo cantan sino que, sobre todo, viven.
No es el mejor papel de Joyce di Donato, no podemos mentir. No es la hermosa Cenerentola ni la perfecta Cendrillón, no es el papel que (aún con las modificaciones de tonalidad) destaca las virtudes de su voz, pero sí su destreza escénicas y esa capacidad inaudita de hacer música. Hermosas frases las hubo y momentos de enorme tensión dramática, también. Por eso ha tenido tanto éxito a nivel mundial con este papel.
Fue muy acertada la dirección escénica porque siempre tuvo a todos los personajes en dualidades emocionales que nos mantuvieron interesados en una historia que, también por pertenecer al bel canto, no siempre es sólida, dramatúrgicamente hablando.
Los que llegamos al teatro con el recuerdo de los mi bemoles impresionantes de la Gruberova, que fue la última versión escuchada en este teatro, no podríamos dejar de extrañar la parte aguda de las arias y los dúos. Es bel canto, claro. Pero tampoco podemos negar el nivel dramático que alcanzó Joyce di Donato en el enfrentamiento con Isabel de Inglaterra o en ese final en el que la acompañamos al cadalso y a despedirse del amor de su vida. La platea aplaudió de pie y con este gesto el público quizá da su anuencia para que dejemos de pensar que un compositor o una partitura o unas notas agudas son el centro de un montaje operístico.
Uno de los espectadores me preguntaba si oír esta versión por la radio cambiaría mi manera de pensar al respecto de ella. Muy probablemente sí. Pero lo realmente importante entonces es que, por fin, la ópera de nuestros días no es algo sólo para oír y eso es muy interesante.
